水墨画和写意画一样吗艺术派如何看懂工笔绘画，浮世绘是版画还是工笔画 _睿知

学美术的各位朋友，何为工笔画？
工笔是中国画用细致细腻的笔法描绘景物的表现形式。边鸾是唐代花鸟画的杰出代表，他能画出活跃的鸟和五彩缤纷的花。As《牡丹图》，色彩绚丽，妙不可言。仔细看，确定牡丹是中午画的。原图中的猫眼有一条“竖线”可见。再比如五代画家黄泉笔下的花羽毛，栩栩如生，惟妙惟肖，却被苍鹰当作实物攻击。这一点可以从《圣朝名画评》中看出：“常明父子住在八卦堂画四季山水花鸟，是最好的准备。2008年冬天他要去打猎，因为压了鹰狗，其间抓到一只鹰，但控制不住，直接进庙里争羽毛。”工笔画在唐代开始流行。因此，取得杰出艺术成就的原因，一方面在于绘画技法的成熟，另一方面在于绘画材料的改进。画必须画在经过明矾处理的丝绸或宣纸上。初唐时期，丝绸材料的改进对工笔画的发展起到了一定的推动作用。据米芾《画史》记载：“绢生于初唐至吴生、周、韩沃的古画中，后为热汤半熟，粉锤如银盘，假扮人物，文笔辉煌。”一般工笔画的底稿都要先画好，一份完整的底稿需要反复修改才能定稿。然后再用宣纸或绢涂上胶矾，先用小笔勾勒，再逐层上色渲染，达到形神兼备的艺术效果。比如陈之佛的秋色画。中国工笔画历史悠久。从战国到宋代，工笔画的创作从幼稚走向成熟。工笔画运用“尽力而为”的手段，通过“取形于神，立于线，以形表意”，获得表现与形式的完美统一。在工笔画中，无论是人物画还是花鸟画，都力求相似，“形”在工笔画中占有重要地位。与写意水墨画不同，工笔画更注重“细节”和写实。唐代的《簪花仕女图》、《挥扇仕女图》和张选的《捣练图》、《虢国夫人游春图》描绘的是现实生活。这些作品不仅描绘性很强，而且明代后期以后，随着西方绘画技法传入中国，中西绘画开始相互借鉴，从而使工笔画的创作在造型上更加准确，同时保持了线条的自然流动和诗意的内容。中国画用什么样的颜料？中国画使用的颜料有植物颜料(水彩)、天然矿物颜料(石漆)和化学合成颜料。颜料有花青、胭脂、藤黄等。矿物有赭石、朱砂、朱朱、石青、石青、黄。锌管包装的国画颜料多为化学合成颜料。这些统称为中国画颜料。水(植物色素)是透明的，可以互相和谐使用，没有遮盖力，色质不稳定，容易褪色。石头(矿物颜料)是一种不透明的颜色，彼此不能和谐使用。遮盖力强，色质稳定，不易褪色。石头色和水彩不能和谐使用。问：中国画的写法是什么？答：初学者，首先一定要会用笔，这样姿势才能正确，用墨才能自如。他们要注意以下几点：(1)用笔对齐：用笔整齐、直立。骨笔是居中的。(2)指手划脚：手指握笔要稳有力，但也要灵活，不要执着。(3)手掌不足：用手指握笔，不要握得太紧，手指要远离手掌，手掌是空的，这样可以自如地提笔。(4)腕挂肘挂：是指大面积的用笔需要腕挂或肘挂，这样用笔才能随心所欲，对全局发力。中国画用的是什么墨水
挑选时，以质地细腻、润泽的蓝紫色为佳。以“顶、顶、贡、选”作为墨水的等级。液体油墨保持了油烟油墨的特性。因为方便，现在很流行，不过还是写意画比较好。其中以北京的“天津书画墨”和“一德阁墨”最好。工笔画用什么纸？用熟宣纸或熟绢作画，是用生宣纸或生绢刷上一定比例的胶矾水而成。其性能是不透水的。目前熟宣纸的品种很多，有清水书画宣传、冰雪宣传、书画文具、蝉翼文具、云母文具等。煮出来的宣纸又薄又厚，明矾水又浓又淡。一般来说，细的适合画浅色，粗的适合画重色。蝉最细，冰雪最厚。此外，还可以用洒金纸和各种染纸来绘制细致的丝绸，这是纯丝制品，分为圆丝和平丝。圆丝，又称“前驱丝”，常用于古画。目前常用的是扁丝，是在丝织好后捣碎，使丝平整，以减少丝与丝之间的空隙，丝刷上胶矾水后不易漏矾。这种丝绸有白色和仿旧颜色。工笔画用什么笔？勾线笔的工笔画用中心勾勒出细而均匀的线条。一般用狼毫之类的细尖笔。常用的笔有文艺笔、叶筋笔、大红毛、小红毛、蟹爪、狼簋、紫簋等。(2)染笔常用的染笔有：大白云、中白云、小白云等软毛刷。纯羊圈太软，一般不好用，白云圈比较好，因为它的外层是羊毛，中间部分是硬硬的毛，可以含水，有弹性。(3)无刷工笔画往往需要画底色，或者大面积绘画渲染，所以需要有各种宽度的羊毛刷或排笔。工笔画的染色方法主要有哪些？1.工笔画中最重要的染色技巧。一支笔蘸色，另一支蘸水，把颜色拖走，形成颜色由浓到淡的渐变效果。2.统染：在工笔画的过程中，根据画面明暗处理的需要，往往需要统一渲染几片树叶和花瓣，强调整体明暗与色彩的关系，称为统染。3.遮盖染色：用一层颜色重新覆盖彩色图片，局部渲染。4.提染：在染色接近完成时，用某种颜色在小范围内使画面变亮或加深，称为提染。5.烘焙和染色：所描绘对象周围的微弱渲染背景色用于衬托或隐藏对象。6.点染：用一种接近写意的笔法，一笔蘸不同深浅的颜色，对画面进行点染，使之灵动起来。这种方法常用于处理背景或小花。7.染色：一
块色彩向四周染开。画仕女脸颊的红晕时即是采用此法，工笔牡丹的绘制中也会用到。8、醒染：在罩色过后色彩略显发闷的画面上用淡淡的深色重新分染，以引出底色部分，重新使画面醒目。“没骨”和“勾填色”的画法特征是什么?“没骨”花鸟画是不用墨勾线，直接用墨或颜色描绘物体形象，所以称它为没有骨干的工笔画。除了不勾轮廓线外，其他部位的线条，如叶筋、花脉、鸟羽等，在染色之后仍要用色线勾画，并要做到线色融合一体，或是直接用色染出线的感觉来。没骨具有细致、丰富、和谐、艳丽明快而俊秀的效果。勾填色，是没有勾物体轮廓线，而是在轮廓线内填色的一种表现形式，又称“双勾廓填” 。勾填色是我国民族绘画最早、最基本的设色方法，也是工笔花鸟画从古至今运用得最普遍的一种表现形式，它已形成一种体式。在勾填色这一表现形式中，由于使用颜色色质的不同以及着染方法繁简的区别，又分为重彩法和淡彩法两种。“重彩”又叫重着色，多以矿物质颜料如朱砂、石青、石绿等色着染。染色步骤较为复杂，经多次叠染，色彩深沉厚重，富丽堂皇，精致工整，富于装饰效果。“淡彩”主要使用较透明的植物质色（又叫水色）着染。淡彩着染的基本方法与重彩相同，但比重彩着染要简便一些。因此，淡彩具有线条清晰，色彩明快，清新淡雅朦胧的效果。工笔画怎样用笔？工笔画在勾线时行笔不要太快，要有节奏。勾画短线时执笔以腕肘着桌面，以手指活动为主；勾稍长一些的线应悬腕而肘着桌面，以腕部活动为主，手指执笔要实，使腕部活动灵活；勾更长一些的线应腕部着桌面而肘部悬起，线随腕动（不要随着手指动）。无论勾哪一种线，在行笔的过程中，都要摒住呼吸，不要太快，一气呵成。总之无论哪一种执笔方法，都应保持线条的圆浑与流畅。例如：白描勾线不是用细线沿着轮廓去“描”，而是书法中讲究的用笔去“写”出形象。工笔白描不只是讲究工细，更重要的是追求线条的力感和美感，所谓“工细兼力”，反对纤细柔弱的线条。勾线之初，先练习使用中锋，避免侧锋。中锋用笔饱满而有弹性，线条圆润浑厚，结实而有力感；开始练习勾线时，很容易出现侧锋，特别是在线条转折的地方，因为毛笔是圆锥形，转弯时必须提笔，并轻转笔管扭转方向，使笔锋平行圆转过来，才能保持中锋。线条产生力感的关键在于笔锋与纸面的摩擦，有的人勾线为了细，不敢用力，勾出的线浮滑在纸面上，不符合要求。勾线时要把笔按下去，使笔锋对纸面有一个压力，同时又要擎住毛笔，向上有一个提力，两力平衡再用一个拖的力量行笔。只压不提就是“抹”，容易出现侧锋败笔；只提不压就是“飘”，线条滑而无力，用线切忌“撩”、“挑”、“滑” 。所以说，每勾一条线都应该有起笔、行笔、收笔三个动作。（1）起笔藏锋：如起笔欲向右行，先向左藏锋顿笔，然后再向右行，这叫欲右先左，反之，则欲左先右。上下行笔也是这样，欲下先上，欲上先下，这样笔与纸就有了摩擦。（2）行笔：行笔要稳，速度要慢，对纸面压力要均匀。行笔中有各种变化，中途转向稍停为“顿”，向后折回为“挫”，顿挫时要调整笔锋方向，不使出现侧锋。中锋圆转用笔为“转”，侧锋方拐为“折” 。（3）收笔回锋：每逢收笔都要向来的方向收回，所谓“天往不回”，“不垂不缩”，使线的结尾含蓄有力。还要注意练习用线的各种笔墨变化，如中锋与侧锋，顺锋与逆锋，以及顿挫、转折、粗细、连断、方圆、疾徐、光毛、虚实等用笔的变化，再加上浓淡、干湿等墨色的变化，以达到白描在形式美感方面的要求。什么是中锋、侧锋用笔？中锋用笔要执笔端正，笔锋在墨线的中间，用笔的力量要均匀，笔锋垂直于纸面，其效果圆浑稳重。侧锋用笔执笔偏侧，笔锋在墨线的边缘，笔锋与纸面形成一定的角度，用力不均匀，时快、时慢、时轻、时重，其效果毛、涩变化丰富。怎样制作仿古纸和仿古绢？（1）可以用国画色中的赭石、花青、墨等色（最好是透明色）在较大的容器中调和，用排笔或板刷蘸取上层色水（把下层颗粒粗的颜料滤掉）在纸或绢上刷匀，一遍不成可刷两次，即可染成仿古画颜色。（2）以红茶适量加水在火上煮，等把茶水煮成红褐色时，根据色调的需要调入其他色或墨，就可以刷制了。（3）过锰酸钾是一种常用消毒剂，呈小颗粒状，加水溶解后是紫色，涂在纸上呈褐色。应注意这种溶液不宜太浓，太浓会使纸的质地变脆。画工笔画怎样过稿、怎样裱纸？因为熟纸或熟绢不易改动，所以画工笔画一般先在图画纸上画好素描稿，然后拷贝到熟宣纸或绢上画正稿。步骤是：（1）选好纸或绢，裁得比素描稿四周大出一至两个公分，准备以后裱纸时涂胶水或浆糊用。（2）素描稿放在熟纸或绢的下面，用HB的铅笔轻轻地把稿子描下来，轮廓要描清楚，笔痕不要太重，以免将来勾墨线时压不住拷贝留下的铅笔线。（3）找一张普通白纸裁得同素描稿一样大，用来做衬纸。因熟纸或绢一般都很薄呈半透明状，下面衬白纸，作画时容易看清画面效果。把衬纸打湿让其完全涨开再用浆糊或胶水贴在画板上。（4）待衬纸干后，把拷贝好的正稿放在上面用喷嘴或喷壶把纸喷湿，等纸完全涨开趁湿把画纸四周反面涂上一至两公分的胶水或浆糊粘牢，干后就可以作画了。画工笔画在裱纸的时候应该注意什么？怎样才能把纸裱好？裱纸对于画工笔画来讲是一个重要的环节，如不注意会造成漏矾，给以后的工作带来不便。在整个过程中应注意以下几点：（1）正稿用纸一定要比素描稿四边大出一至两公分，用来涂胶水或浆糊，要不然画面会变小。（2）画板平放在桌面上，往纸或绢上喷水要适量，太多的水会冲掉画纸表面的胶矾水，还会把纸涨裂。喷水太少，纸或绢不能完全涨开，在作画时，纸面还会不平整。所用的喷壶或喷嘴喷出的水最好是雾状，这样比较均匀。水在纸面最好是薄薄喷一层，让水渗到纸里去以后，再用胶水或浆糊粘到画板上。（3）画纸上有水时，不要用手摸，更不要用布擦或用吸水纸吸，这样会造成漏矾。在画工笔画的过程中什么是“漏矾”？由于熟纸或熟绢是用胶矾水多次刷制而成，所以在绘画过程中随着多次的渲染或是用水过多，胶矾会走失而造成漏矾。漏矾之后会渗水，颜色上不均匀，一块深一块浅影响画面效果。古人所讲“三矾九染”是很有道理的，要学会自己配制胶矾水，每上几遍颜色就上一遍胶矾水，既可以固定颜色，又可以防止漏矾。工笔，就是运用工整、细致、缜密的技法来描绘对象。工笔又分为工笔白描和工笔重彩两类。工笔白描就是完全用墨的线条来描绘对象，不涂颜色。白描本来大抵是用来打草稿的，宋代画家李公麟把它发展成独立的画种，他的白描如行云流水，变化无穷丰富，有很强的表现力。他画的《五马图》，人和马都用单线勾出，比例准确，肌肉骨骼的结构清楚，甚至马的毛色所具有的光泽也细致地表现出来，动态极为生动，是古代第一流的白描作品。工笔重彩，就是指工整细密和敷设重色的中国画。在中国绘画的早期，工笔重彩占有主要的地位。湖南长沙马王堆汉墓发现的帛画、都是道地的工笔重彩，特别是轪妃墓的T形“非衣”，构图巧妙，线描精细，设色绚丽，显示了当时工笔重彩达到了高度的成就。古代绘画普遍使用丹砂和青绿之类的重彩颜料，因此称绘画为“丹青”，由此可见工笔重彩在古代绘画中的重要地位了。写意画是与工笔画相对而言的一种画法。它要求用粗放、简练的笔墨，画出对象的形神，来表达作者的意境。据传唐代的时候，玄宗命令画家李思训和吴道子，一起在大同殿描绘嘉陵江的山水。李思训是擅长工笔重彩的，他用了几个月的工夫完成这幅壁画。吴道子则在一天之内就画成三万余里的嘉陵山水，这可以想象，他不可能用工笔重彩的技法来画，一定是比较粗放、简练的。这说明那时的绘画已经有了工笔、写意的区别了。到了宋代，苏轼提出“士人画”，主张画画“不求形似”，而应写情寄意，以表达作者主观的思想感情。他留下的绘画作品只有一幅《枯木图》，画一株枯树、一块顽石，石后露出一、二枝竹子，树下几根细草。这幅画抒发他政治上不得意的思想感情，但大书法家却给以极高的评价，说枝干“虬屈无端倪”，石“亦怪怪奇奇，如其胸中蟠郁也” 。元代以后，笔法简练、造型生动、酣畅淋漓、讲究意趣的写意画大盛。这样，写意画就同遵守传统、恪守法则的工笔画形成了风格迥异的两大派，长期地在画坛上争相辉映，代代地相传下来。

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专业人士，谁知道工笔绘画注重什么？工笔，就是运用工整、细致、缜密的技法来描绘对象。工笔又分为工笔白描和工笔重彩两类。工笔白描就是完全用墨的线条来描绘对象，不涂颜色。白描本来大抵是用来打草稿的，宋代画家李公麟把它发展成独立的画种，他的白描如行云流水，变化无穷丰富，有很强的表现力。他画的《五马图》，人和马都用单线勾出，比例准确，肌肉骨骼的结构清楚，甚至马的毛色所具有的光泽也细致地表现出来，动态极为生动，是古代第一流的白描作品。工笔重彩，就是指工整细密和敷设重色的中国画。在中国绘画的早期，工笔重彩占有主要的地位。湖南长沙马王堆汉墓发现的帛画、都是道地的工笔重彩，特别是轪妃墓的T形“非衣”，构图巧妙，线描精细，设色绚丽，显示了当时工笔重彩达到了高度的成就。古代绘画普遍使用丹砂和青绿之类的重彩颜料，因此称绘画为“丹青”，由此可见工笔重彩在古代绘画中的重要地位了。写意画是与工笔画相对而言的一种画法。它要求用粗放、简练的笔墨，画出对象的形神，来表达作者的意境。据传唐代的时候，玄宗命令画家李思训和吴道子，一起在大同殿描绘嘉陵江的山水。李思训是擅长工笔重彩的，他用了几个月的工夫完成这幅壁画。吴道子则在一天之内就画成三万余里的嘉陵山水，这可以想象，他不可能用工笔重彩的技法来画，一定是比较粗放、简练的。这说明那时的绘画已经有了工笔、写意的区别了。到了宋代，苏轼提出“士人画”，主张画画“不求形似”，而应写情寄意，以表达作者主观的思想感情。他留下的绘画作品只有一幅《枯木图》，画一株枯树、一块顽石，石后露出一、二枝竹子，树下几根细草。这幅画抒发他政治上不得意的思想感情，但大书法家却给以极高的评价，说枝干“虬屈无端倪”，石“亦怪怪奇奇，如其胸中蟠郁也” 。元代以后，笔法简练、造型生动、酣畅淋漓、讲究意趣的写意画大盛。这样，写意画就同遵守传统、恪守法则的工笔画形成了风格迥异的两大派，长期地在画坛上争相辉映，代代地相传下来。
当代工笔画与传统工笔画有什么不同艺术作品反映了一个民族的审美思想和精神风貌，随着社会的发展而发展，中国工笔画有着悠久的历史和传承，随着社会的发展而变化，传统工笔画和现代工笔画在艺术表现上有了巨大的变化。1、题材不同传统工笔画以山水、人物、动物为题材进行表现，一般与当时的社会面貌有关。当代工笔画表现我们的时代、社会的精神面貌与审美情趣，其作品主要以教育人、启发人为主。2、表现技法不同（1）用笔：传统工笔人物画以线造型、墨色分染为主，线的内在属性和特点已经为其形式奠定了基调，使画者必须对物象提炼和概括，将物象按其本质特征和语言规律给予取舍、重组与再造。当代工笔人物画在传统基础上派生出诸多样式和形态，以多种表现技法并存。（2）用墨：传统工笔中，重彩颜色要与墨色相协调，墨色浓重或稀薄是画作色相饱和度和纯度、冷暖色彩倾向的关键。当代工笔画中，墨的用法不仅仅表现在简单的程式化晕染，而是融入了写意画的着墨方法。（3）着色：传统工笔画一般以固有色为主；现代工笔画大量采用了在画面制作肌理效果，用上了现代化的手段。3、表现手段不同传统工笔画中色彩成为了主要表现手段；当代工笔画借鉴西方绘画和日本现代绘画的某些表现手法，强调色彩的丰富性、体量感以及画面的构成意味，最求视觉效果的冲击力，这类作品造型常常概括、简洁，为色彩发挥和主观处理提供了诸多可能。4、工具颜料不同（1）传统工笔画主要以锦帛或宣纸为主，而现代工笔画出来帛和宣纸，还有皮纸、棉布、模板等许多中工具。（2）传统工笔画颜色分为植物性颜色和矿物质性颜色。植物性颜色多为透明色，时间久了容易褪色；矿物色属于重彩，覆盖能力较强。当代工笔画的颜料则有着数不尽的颜色搭配和种类。（3）传统工笔画主要以毛笔为主要工具，分为勾线笔和渲染笔两种。而现代工笔画的工具则五花八门，还有花架，画板，铅笔，橡皮，素描纸，笔洗等等。

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国画中的写意画和工笔画工笔画 –是中国绘画中非常重要的艺术形式，也是一门精雕细琢的艺术功夫；在技法上分为「勾染法」与「没骨法」两种。「勾染法」是先用线条勾勒出造型与结构，再予敷色上彩。「没骨法」则是以色彩直接依其造型结构来点、染完成的绘画方式。从绘画发展的波折起伏来看，工笔画并非一帆风顺发展迄今的；此种绘画形式之出现，初始应是受到早期壁画鲜丽色彩的影响，我们可从现今出土的墓室和敦煌壁画中炫丽的色彩窥知一二；其后经历了千百年无数人智慧的积累、发展而愈趋成熟；其中有工整繁缛的绘画方式，也有直接敷彩点染并重视笔墨情趣的作品形式。然而到了明代董其昌提出了「画分南、北二宗」之说，并在高唱「崇南贬北」的理论下，将工笔画列入了「北宗」并视之如同匠工，使得这样一种重要的绘画主流，被贬抑至每况愈下的境地。直至民国初年，在「五四新文化运动」的影响下，改革国画之声四起，当时艺界大师如金北楼、周肇祥、陈师曾 … 等先贤前辈纷纷开始著手筹组画学研究社团，「工笔画」此时复得蓬勃发展的生机而再度兴盛起来。简称“国画”，我国传统造型艺术之一。在世界美术领域中自成体系，也是最为复杂的画种，内部分类则更是复杂。唐代张彦远《历代名画记》分为六门；北宋《宣和画谱》分为十门；南宋邓椿《画继》分为八类。其根据笔墨技法可分为工笔画、大写意画和小写意画（即兼工带写），根据设色又可分为白描画、水墨画、着色画三类，按功能和用途，可分为寺观殿堂壁画、架上绘画、民间绘画、工艺装饰画几类；依作品的主题思想分为释道画、风俗画、历史画、民间年画、文人画等；按工具材料分为白描、着色、水墨等；但最通行的是按题材内容分为人物、山水、花鸟三大类。山水画简称“山水” 。描写山川自然景色为主体的绘画。在魏晋、南北朝已逐渐发展，但仍附属于人物画，作为背景的居多；隋唐始独立，如展子虔的设色山水，李思训的金碧山水，王维的水墨山水；王洽的泼墨山水等；五代、北宋山水画大兴，作者纷起，如荆浩、关仝、李成、董源、巨然、范宽、许道宁、燕文贵、宋迪、王诜、米芾、米友仁的水墨山水，王希孟、赵伯驹、赵伯骕的青绿山水，南北竞辉，达到高峰，从此成为中国画中的一大画科；元代山水画趋向写意，以虚带实，侧重笔墨神韵，开创新风；明清及近代，续有发展，亦出新貌。表现上讲究经营位置和表达意境。传统分法有水墨、青绿、金碧、没骨、浅绛、淡彩等形式。人物画以人物形象为主体的绘画之通称。中国的人物画，简称“人物”，出现较山水画、花鸟画等为早；大体分为道释画、仕女画、肖像画、风俗画、历史故事画等。人物画力求人物个性刻画得逼真传神，气韵生动，形神兼备。其传神之法，常把对人物性格的表现，寓于环境、气氛、身段和动态的渲染之中。故中国画论上又称人物画为“传神” 。历代著名人物画有东晋顾恺之的《洛神赋图》卷，唐代韩滉的《文苑图》，五代南唐顾闳中的《韩熙载夜宴图》，北宋李公麟的《维摩诘像》，南宋李唐的《采薇图》、梁楷的《李白行吟图》，元代王绎的《杨竹西小像》，明代仇英的《列女图》卷、曾鲸的《侯峒嶒像》，清代任伯年的《高邕之像》，以及现代徐悲鸿的《泰戈尔像》等。在现代，更强调“师法造化”，还吸取了西洋技法，在造型和布色上有所发展。花鸟画历代花鸟画家辈出，如唐代薛稷的鹤、边鸾的孔雀、刁光胤的花竹；五代郭乾晖的鹰，黄筌、徐熙的花鸟；北宋赵昌的花、崔白的雀、吴元瑜的花鸟；南宋吴炳的折枝、林椿的花果、李迪的禽；元代李衎的竹、张守中的鸳鸯、王冕的梅；明代林良的禽，陈淳、徐渭的墨花；清代朱耷的鱼，恽寿平的荷，华喦的鸟；近代吴昌硕的花卉等，皆一代名手，绵延不绝。技法形式有工笔、写意、勾勒、设色、水墨等技法，设色又可为金碧、大小青绿、没骨、泼彩、淡彩、浅绛等几种。主要运用线条和墨色的变化，以勾、皴、点、染，浓、淡、干、湿，阴、阳、向、背，虚、实、疏、密和留白等表现手法，来描绘物象与经营位置；取景布局，视野宽广，不拘泥于焦点透视。有壁画、屏幛、卷轴、册页、扇面等画幅形式，辅以传统的装裱工艺装潢之。中国画强调“外师造化，中得心源”，要求“意存笔先，画尽意在”，强调融化物我，创制意境，达到以形写神，形神兼备，气韵生动。由于书画同源，以及两者在达意抒情上都和骨法用笔、线条运行有着紧密的联结，因此绘画同书法、篆刻相互影响，形成了显著的艺术特征。作画之工具材料为我国特制的笔、墨、纸、砚和绢素。近现代的中国画在继承传统和吸收外来技法上，有所突破和发展。国画发展史六朝前：水墨与重彩画法之萌芽中国绘画的最早遗迹，可以上溯到远古时代的岩画和新石器时代的彩陶装饰纹样。新石器时代的陶器彩绘是以天然矿物质在陶坯上描绘后入窑烧制，在橙红色的胎地上呈现出赭红、黑、白等诸种颜色的美丽图案，形成纹样与器物造型的高度统一，达到美化装饰效果。商周战国及春秋时期绘画已有相当的进步。除壁画的流行外，这时绘画技巧的发展也可从青铜器及玉器的装饰纹样、战国漆画上看出已达到相当水平。特别是湖南长沙战国楚墓中出土的帛画成为这一时期绘画技法发展的杰出代表。此时绘画已逐渐脱离附属于工艺美术品的装饰地位而独立，成为后世卷轴画的先声。秦汉绘画技法发展汉代墓室壁画及画像的情况除求诸石、画像砖外，各地出土的帛画对了解当时绘画技法发了最有力的资料。战国展的状况提供帛画“迹简意淡”，突出线条作用的水墨画法和西汉以高纯度装饰性色彩依线描涂染的勾勒着色画法，奠定了后来卷轴画的两种基本画法风貌。六朝：勾线渐趋成熟与凹凸法之出现三国两晋南北朝是绘画技法发展中的重要阶段。涌现出一大批具有高度文化修养的知名画家，画史上第一批为后世崇奉的百代宗师和第一批有摹本流传的巨迹都产生于这一时期，并产生了第一批论画名著。人物画法从完成变略为精，由“迹简意淡而雅正”走向“细密精致而臻丽”之后又出现“笔不周而意周”的疏体，鲜明显示上承两汉下启隋唐的时代风貌。源于人物画背景和古地图的山水画在这一时期开始独立登上历史舞台。大约在东晋刘宋时代，已有独立的山水画。这时期已有为数不少的善画花鸟的画家出现，也有独幅作品的记载，但未流传下来。隋唐：线描、水墨的高度发展与金碧设色的完善隋唐时代的绘画随着社会经济和文化艺术的全面繁荣，在表现技法上取得高度成就。人物画在隋唐仍居主要地位，在继承本土汉魏传统以外，也吸收西域画法，艺术上的发展更加成熟。隋唐山水画日渐成熟，有金碧辉煌的青绿山水和墨分五色的水墨山水等，形成不同的艺术风格。这一时期的青绿山水日益走向成熟与兴盛。其画法风格，也像人物画一样属于勾勒设色，所不同者在于形象勾勒的简括和赋色的强烈浓丽。使用的颜色以青、绿、赭石、白粉等石色（覆盖色）为主，甚至辅以金粉，鲜明夺目，纯度极高，颇有金碧辉煌之感，宋人称之为“青绿山水”或“金碧山水” 。这种以装饰手法进行写实的着色山水画，是中国山水画最早的风格形态。水墨山水画的出现，主要是在中晚唐以后。在青绿山水至盛唐发展成熟之际，水墨山水的前身“破墨山水”开始萌生。中晚唐以来，山水画的题材范围进一步扩大。技法上更出现“不依墨踪”的狂放画风。这时，部分画家在盛唐的破墨技法之外，又发展了“泼墨” 。中晚唐的山水画家，由讲求用笔进而又重视了用墨，而用墨方法的丰富变异，回过头来又解放了笔法。水墨作用引起了广泛注意，为五代水墨山水画的勃兴创造了条件。唐代也出现了一批花鸟画名家。花鸟画题材多流行于宫廷及上流社会，用以装饰环境及欣赏需要，大都以工笔设色的画法，写生逼真。五代：双钩填彩与落墨画法之定格五代十国的绘画，无论中原、西蜀还是南唐，也无论人物、山水还是花鸟都在继承唐代传统的同时有新的发展。在山水画方面，这时突出发展了唐人水墨风格。“荆（浩）、关（仝）、董（源）、巨（然）”及南北两大山水画派的出现，成为山水画发展的重要里程碑。在两派画家笔下，用以呈现山水纹理质感与结构的“皴法”得到很大发展，墨法丰富起来，有笔有墨成了画家的自觉要求，水墨及水墨淡着色山水画至此已发展成熟。花鸟画领域五代出现“黄家富贵，徐熙野逸”，两种技法风格的出现，标志着中国花鸟画走向成熟。五代，勾勒设色的青绿山水仍在延续。两宋：工笔的极致与兼工带写的初创及章法的突破宋代绘画在隋、唐、五代的基础上获得新的发展，风格形制日趋多样，技法更加完备。文人画的兴起与宫廷绘画的繁盛成为这一时期的新特征。在艺术上自觉追求有别于画工的“文人画”是在北宋中叶兴起的。风俗画、历史故事与现实题材的人物画都成为画家感兴趣的题材并有杰作出现。北宋画坛上，山水画成就最为突出，在唐、五代的基础上向广度和深度发展。画史所称“宋人格法”主要指这一时期的山水画创作。南宋山水画的主流是水墨苍劲笔法所显示的精奇而抒情的风貌。这一时期随着卷轴画的大量产生和对现实生活的关注，宗教画开始退出画坛的主要位置，画家与画工明显分开来。宋代花鸟画在艺术技巧上大大超过了唐代。继五代之后，北宋初期的花鸟画随着朝野需要的变化而蓬勃发展，跃居于人物画之上，与山水画并驾齐驱。宋代花鸟画家观察的精细入微和描绘的一丝不苟使他们的写生刻画水平已经达到“和生者逼肖”的程度。元代：笔法墨法的拓展与丰富元代绘画在继承唐宋五代的基础上有进一步发展。其显著特点是文人画的盛兴，人物画相对减少，山水、花鸟画成为主要题材。绘画艺术上强调有“士气”和“古意”，反对有“作家气”，摈弃南宋院体传统，主张师法唐、五代、北宋。创作上遗貌求神，尚主观意兴抒发，讲变化而轻刻画，喜平淡而弃绚烂，纸本上运用干笔皴擦的水墨技法得到极大发展。元代绘画以山水最盛。在花鸟画中，随着墨竹与木石的盛行，墨兰、墨梅也同时并举。元代墨卉墨戏盛行，在工笔花鸟画中也出现了全部以墨代色的现象。中国花鸟画技法经过宋代全面发展后，元代又向着水墨领域深入。明代：水墨大写意的繁兴明代绘画风格迭变、画派繁兴。山水、人物、花鸟均有发展，画法方面以水墨山水和写意花鸟的勃兴，成就最为显著。明代绘画大致可分为早、中、晚三期。明早期宫廷绘画与浙派盛行于画坛，形成以继承和发扬南宋院体作风的时代风尚。正德后在苏州地区崛起以沈周、文徵明为代表的“吴门画派”，主要继承宋元文人画传统，波澜日壮，成为画坛主流，明代中期以后，有成就的花鸟画家主要是在野的文人画家。万历以后的晚期绘画出现新转机，以董其昌为代表的松江画派另辟蹊径，力倡南北宗论，影响很大，成为画坛主导。除董其昌为代表的松江画派外，晚明还出现不少地区性山水画派。花鸟画领域青藤、白阳的水墨写意画法，人物画领域南陈北崔的变形人物画法，均对后世产生深远影响。人物画技法多样，有质朴典雅的白描，也有浓丽细密的院体工笔，有粗放豪迈的水墨写意，也有变形奇古饶有装饰意味的人物画新体。清代：水墨写意画法之盛及与西法之初融清代绘画继续元明以来的趋势，文人画风靡，山水画勃兴，康、乾时期宫廷绘画有新的发展并出现中西融会的画法。技法上总体讲水墨写意画法盛行，早期画坛因画家不同的追求而在文人画领域出现以“四王”、吴恽（吴历、恽寿平）为代表的崇古和以“四僧”等为代表的创新两种趋向。清代早期的山水画，画家更追求笔情墨趣，风格技巧争奇斗艳。在西画影响下，中国山水画传统技法的新探索。清代人物画虽在艺术性上并未有多大的提高，但比明代繁荣，在写意人物画方面有所开拓。清代画院盛于康、乾两朝，院画家与文人布衣画家的技法区别十分明显，工整重彩是宫廷院画家之能事，然意境较平乏。在野的文人布衣画家以水墨写意为主，亦兼带工笔人物，比较善于追求笔墨意境。清初画坛兴起一种用手指代替毛笔在宣纸、绢上作画的“指画”技法。清代的花鸟画在技法上，工笔重彩、水墨写意、没骨法均有大家，既承传统，又创新意。清代宫廷花鸟画以康、乾两朝最为兴盛，花鸟画主要用于装饰。20世纪：金石书法入画与中体西用将书法篆刻的笔法章法融入画中，具有金石味。在色彩的运用上突破古人的传统，并且吸收民间用色的特点，色彩鲜丽，对比强烈。现代中国画是在近百年来西方美术潮流冲击的文化环境中发展的，受西方美术的影响和冲击，中国画技法突破传统模式，出现新的局面。按照绘画主张的不同，技法探索基本沿着两条路进行：一是“借古以开今”的传统型道路，较少受西方影响，从传统自身求变革。突破文人画的局限，扩大师承面，从金石碑版、民间艺术中汲取营养，实现现代中国画在传统技法图式基础上的复兴与开拓。这类画家以齐白石、黄宾虹、潘天寿、傅抱石最为杰出。另一条是在西方美术影响下形成的结合中西型道路，以高剑父、徐悲鸿、刘海粟、林风眠、李可染为代表。参考资料：http://www.xttt.net/xttt/newsxq.asp?id=168回答者：wenzikk – 助理二级 3-24 11:56—————————————————————————————————-个人观点:写意注重”神似~用笔洒脱自然无拘无束”;工笔”更注重的是形,写实,用笔讲究细腻注重细节的描绘,用色一般都比较浓”用比喻就是:写意是草书,工笔是标准的印刷体PS:非专业~~~
如何欣赏绘画？绘画分成很多种，可分为人物画，风景画，肖像画，静物画等等，无论任何绘画，任何题材，都要依靠作品的造型与色彩，就是绘出它的形状，它采用的色彩，以及各种光的运用。绘画的造型，就要求有很好的素描基础，不会素描是画不好油画的，就如同在沙滩上建高楼，是建设不起来的。光也就是光线的效果，要懂得光应用和理解，对光的表现，有一个基本的认识，灵活运用各种光，可以画得更加生动逼真。色彩的应用也是很重要的，没有色彩，合适的色调，就画不出一幅好画，这是欣赏绘画作品必须具备的基本知识。现代油画派大概分为两大类，抽象派和印象派，当然具体又分为印象派，野兽派，未来派等等，抽象派就是凭空想象的一种意念，在自然界没有这个形象，只有一些色块，线条，一点一面等等，人们从这些色块的组合中引发联想和想象，所以叫它抽象派。印象派，又叫写实派，自然界中有这个形象，只不过要用绘画的形式，把它给表现出来，印象派里面的人物和物体是真实存在的，画家用各种颜色，各种笔法把它表现出来，让人欣赏它美妙的地方。在欣赏一幅油画作品时，还要了解作者的时代背景，创作这幅画思想内容，一个画家创造一幅作品，都带着他的思想，反映画家的艺术境界，我们欣赏它产生感情上的共鸣，画家创作这幅画的时候，也是根据自己的生活体验，自己对于人物的不同理解，不同的深度，创作出不同的人物形象。一幅好的作品，能够陶冶人的情致，提高人们的精神境界，发现世界上的美好，使我们对这个世界，对这个具体的人物和景色，有更深刻的理解。

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美术画中，共分哪几种派别？早期哥特式代表画家：契马布埃、杜乔、乔托、马尔蒂尼、洛伦采蒂国际哥特式代表画家：《威尔顿双连画》大师、林堡兄弟、秦梯利、罗昂祝福书大师北方哥特式代表画家：康平、扬·凡·艾克、韦登晚期哥特式代表画家：博斯、格吕内瓦尔德意大利文艺复兴代表画家：马萨乔、乌切洛、韦内齐亚诺、波提切利、弗朗切斯卡、曼坦尼亚、贝利尼意大利文艺复兴盛期代表画家：达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、提香、乔尔乔内、丁托列托意大利风格主义代表画家：柯勒乔、柯列柯、罗索、布隆齐诺北方文艺复兴代表画家：丢勒、小汉斯·荷尔拜因、老卢卡斯·克拉纳赫北方风景画代表画家：帕蒂尼尔、彼得·（大）勃鲁盖尔早期意大利巴洛克绘画艺术代表画家：卡拉瓦乔、卡拉齐、圭多·雷尼、圭尔奇诺佛兰德斯的巴洛克绘画艺术代表画家：鲁本斯、凡·代克、伦伯朗、扬·维米尔、弗兰斯·哈尔斯、雷斯达尔西班牙巴洛克绘画艺术代表画家：里贝拉、迭戈·委拉斯凯兹、牟利罗法国古典主义代表画家：尼古拉·普桑、克洛德·洛兰意大利洛可可艺术代表画家：华托、提埃波罗、卡纳莱托、瓜尔迪法国洛可可艺术代表画家：布歇、弗拉戈纳尔、夏尔丹法国新古典主义代表画家：大卫、安格尔法国浪漫派代表画家：热里柯、德拉克洛瓦 19世纪英国画派代表画家：康斯勃罗、雷诺兹西班牙伟大的浪漫主义大师戈雅英国浪漫派代表画家：透纳、康斯泰博尔拉斐尔前派代表画家：米雷、罗塞蒂法国现实主义代表画家：柯罗、米勒、库尔贝印象派代表画家：马奈、德加、莫奈、雷诺阿后印象派代表画家：塞尚、修拉、凡·高、劳特累克、高更纳比派代表画家：博纳尔、亚维尔 20世纪野兽派代表画家：马蒂斯表现主义代表画家：鲁奥意大利形而上学流派代表画家：契里科立体派代表画家：毕加索抽象主义代表画家：康定斯基、保罗·克利超现实主义代表画家：卢梭、米罗、达利抽象表现主义代表画家：波洛克波普艺术代表画家：安迪·沃霍尔
【水墨画和写意画一样吗艺术派如何看懂工笔绘画，浮世绘是版画还是工笔画】