行为艺术小便池杜尚小便池如何解读，小便池杜尚 _睿知

杜尚的小便池为什么被称为艺术品
《泉》被认为是20世纪最有影响力的艺术作品，因为它开创了“现成”艺术的先河，对后来无数艺术家产生了深远的影响。生活也是艺术。

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杜尚的《喷泉》在美学上的解释？
杜尚(188733541968)是达达主义绘画的典型代表人物。1915年，他去美国大力推广达达艺术， 1917年2月，他把一个小便池放在“RMutt”(美国一种卫生用品的标志)上。送到纽约独立艺术家协会美国展厅，取名《泉》。在当时引起了强烈的反响。他解释说：“一件普通的日常用具被赋予了新的名称，这样人们可以从一个新的角度来看待它。这样就失去了它原来的实际意义，却获得了新的内容。”人们称之为“现成艺术” 。一方面表现了他对传统艺术形式的嘲讽，同时也表现了一种新的艺术创作方式。他的“现成品”的另一个代表作是在《蒙娜丽莎》张版画上给美女加了两撇小胡子，以示对传统绘画的蔑视。杜尚之后， “现成产品”成为一种创作方式，艺术与生活的界限开始消解。因此，一些批评家称杜尚为后现代主义的鼻祖。马塞尔杜尚大概是现代艺术史上最有魅力、最有影响力、最有争议的传奇人物，从印象派到纳比派，从达达到“现成品” ，他的画风多变，大胆创新，在艺术与技术、形式与观念上都取得了不少成就。许多当代艺术流派都可以追溯到他，因此他被誉为当代艺术的守护神。杜尚家族有六个兄弟姐妹，其中四个成为了艺术家，分别是雅克维隆(1875-1963)、雷蒙杜尚-维隆(1876-1918)、马塞尔杜尚(1887-1968)和妹妹苏珊杜桑。去世早的杜尚-贝隆是最具潜力的立体主义雕塑家，创作出高度简洁的几何作品。与他的哥哥们不同的是，虽然在他身上不乏毕加索和布鲁克的立体主义影响，甚至他还创作了一些相关的作品，如1911年和1912年创作的两幅33 ， 360 ， 010-30 ， 000的画作中，由破碎的几何体面构成的人物形象中有一些奇怪的东西，杜尚注入其中的运动和情感元素是超越立体主义原则的。杜尚也知道这一点，所以他在1912年从独立沙龙撤回了这幅画。显然，杜尚在研究立体主义的时候，脑子里有很多东西。他在解释这件作品的时候提到，用绘画来形容是不合适的。——“它是动能因素的组成部分，是通过抽象运动反映出来的时间和空间的表现形式” 。“当我们考虑形状在一定时间内通过空间的运动时，我们就进入了几何和数学领域，就像我们为此目的制造机器时一样。如果我展示飞机上升，我试图展示上升的实际情况。我不会把它画成静物画。当‘裸体’的形象游荡进我的眼睛时，我知道这将永远打破自然主义奴役的枷锁。”这似乎是未来主义者的宣言，所以有人认为杜尚比其创始人更懂得未来主义的含义。1912年2月，巴黎的未来派展览也让杜尚明白了这一点。尽管未来主义者缺乏他天生的幽默感，但这并不妨碍他借用他们的方法进行更自由的创作。在1912-1913年期间，杜桑首先创作了所谓的“机器绘画”作品，像《下楼梯的裸女》。同时，他质疑绘画和雕塑的传统有效性，认为立体主义在这个时候已经成为学院的东西。他有了放弃绘画的想法，开始进行一些基于日常题材的艺术或非艺术的实验。1913年，杜尚提出了两个新事物，活动雕塑和现成艺术，这也是日后达达、活动雕塑、废雕塑和波普艺术的最早形式。
最著名的作品是1917年赠送给纽约独立艺术家协会举办的展览的一个陶瓷小便池，题目是《春天》，以及1919年回到法国后创作的一幅题为《LHOOQ》的作品，也就是达芬奇《新娘》的照片上加的胡子。这些极其搞笑的作品在未来会有很大的影响。他还在给汉斯里希特的信中写道：“我用现成的产品让人们对审美无动于衷，但新达达拿走了我的现成产品，并从中发现了美。我把酒瓶架和小便池扔到人们面前作为挑战，他们却称赞它的美学之美。”从1966年到1972年，艺术的概念达到顶峰，同时也陷入危机。这个术语在1967年左右第一次被广泛使用，但是否有一些形式的概念艺术在整个20世纪都存在仍然是个疑问。最早的作品通常被认为是法国艺术家马塞尔杜尚所谓的“现成产品” ，其中最臭名昭著的是《LHOOQ）的作品，即在达芬奇《蒙娜丽莎》。杜尚把一个由R穆特签名的小便池放在雕像的基座上，作为一件艺术品送到了1917年在纽约举行的“独立艺术家协会展览” 。在《喷泉》年之前，很少有什么东西能让人思考艺术究竟是什么，或者它是如何表达的；他们只是假设艺术不是绘画就是雕塑。但是很少有人会把《喷泉》当成雕塑。一件艺术作品通常作为一种表达：“这是米开朗基罗的旧约英雄大卫的雕像”或“这是蒙娜丽莎的画像” 。当然，我们可以问一些问题，比如：“为什么米开朗基罗把大卫做成了两倍大？”或者“这个蒙娜丽莎是谁？”但这些问题来自于艺术作品所假定的初始条件的一种缺失.我们把它当作一种再现的艺术，一种“实用”的艺术。然而，成品和
不同，它的提出不是作为一种表述， ”这是一个小便器” ，而是作为一个问题或一种挑战， ”这个小便器可能是件艺术品吗？把它想象成艺术！”或者，杜尚的《LHOOQ》：”试试看将这件长了胡子的蒙娜·丽莎复制品看作是一件艺术品，不仅是一件艺术品的被销毁了的复制品，而是一件独立的艺术品！”60年代后期观念艺术家所提出的一些问题，早在50年前就已为马塞尔·杜尚所预见到了，并且在某种程度上，也为自1916年之后的达达的反艺术姿态所预见。它们将在二战结束的20年之后再次被引述，并由包括新达达主义者和极少主义者在内的大量艺术家所延伸。正如我们所看到的，这些问题将为六十年代后期出现的一代艺术家所充分发展和理论，他们的作品必须存在于任何观念艺术研究的核心之中。随后，他们中大部分人继续发展着他们的作品，同时，新一代艺术家则利用了观念艺术的策略来阐释他们对于世界的体验。我们是否应将这类作品视为晚观念、后观念或新观念艺术，这个问题依然没有得到解决。观念艺术一向是一种国际化的现象。六十年代，你也许能够同在纽约那样，在圣地亚哥、布拉格和布宜诺斯艾利斯找到它。由于纽约是这一时期的艺术分布和促进的中心，在那里创作的艺术一直都是被讨论的最多的。我更愿意在某种程度上修正这一平衡。如果它不取决于介质或风格，当你面对一件观念艺术品时又如何对之作出识别呢？一般而言，它可能会有四种形式：一件现成品（Readymade），这是由杜尚发明的术语，用于指代一件从外界带入的物品，被宣称或提议为艺术，从而同时否认了艺术的独特性和由艺术家亲手操作的必须性；一件介入品（Intervention），其中一些图像、文字或物件被置于一个出乎意料的环境之中，从而引起人们去关注这一环境：例如博物馆或街道；文献（Documentation），其中真正的作品、观念或活动，只能以记录、地图、图表或摄影图片的证据来表达；文字（Words），其中的观念、主张或调查以语言的形式来表达。杜尚的《喷泉》是最为声名卓著或臭名昭著的一个现成品的范例，但其策略却已为诸多艺术家所采纳和改编。美国艺术家菲里克斯·冈萨雷兹-托里斯（Felix Gonzalez-Torres）的广告牌计划则是一个介入品的例子，其中一张照片，上面印有铺着起皱床单的空白双人床，被展示在纽约城的各处的二十四张广告牌上。这是什么意思？它没有任何说明文字。对于路过的人们而言它可能有很多种意思，这取决于他或她本人的境遇。它说的是爱情和缺场：双人床通常是由情侣们分享的。我们中的很多人在早晨上班之前就能看到它。这里展示的是一幅亲密无间的场院景，而且被放在谁都看得见的地方，其中的背景或本义就理所当然地成为其意义的一个本质和关键的部分。也许一部分路人能够识别出这是一个冈萨雷兹-托里斯的作品，并猜测出，对于他而言，这是一张他和情人露斯用过的床，后者最近刚刚死于艾滋病。但这种特定的个人意义并非规定了的，意义是我们每个人在其中发现到的东西。大概是因为新达达无视艺术家在现成品艺术上持有的限制态度，才引发他以上的牢骚之言吧。不过，新达达在高度发达的消费时代里所持的物的概念以及对现成品艺术中物的关注，的确是不同于杜桑的。在杜桑的时代，把现成品放到展览上是想说明艺术与现成物体之间的矛盾，到新达达这，这种意义几乎荡然无存，人们更注重现成品出现在眼前时的形式和状态。就对艺术的态度和感情言，与新达达们比较，马塞尔·杜桑好像还称得上是古典派。一种不受法规所限制的精神。艺术本来没有法则。法规愚弄了我们。杜尚的小便池比文化遗产的任何其它作品都更能表现”艺术”这个词的魔力，更能证明一种相对风格史的近乎放肆的自由。不是一个东西，不是一系列东西，也不是艺术家的姿态或意图，而是贴在一个绝对任意的东西上的一句话——这是艺术。这是艺术：一只蚊可以成为艺术。你的生活可以成为艺术。……这意味着“规范、经典、标准”一一被瓦解，因为艺术要摆脱异化，获得解放，就必须“随便做” 。就像在路上的杜尚打倒他在任何地方发现的美学偶像（包括对他自己的崇拜），才能抵达现代性。创造，发现，启示，你穿越所有“可能的世界” 。杜尚摘掉了戴在传统艺术品头上的“光晕”（Aura），直接将来自现实生活的产品纳入到艺术系统之中，激进地打破了非艺术与艺术的分界，更是启发了丹托及其后继者们的艺术终结观念。在传统的美学光照下,变得充满意义。我们可以看到再现范畴丰富的美学意义,首先,再现是一种艺术表现,它不等同于被再现的事物本身。艺术的再现所营造的是一个审美的想像世界。第二，再现会唤起欣赏者真实的感觉，这种感觉与面对真实事物时的体验是相近的。惟其如此，艺术才作为一种替代不在场的事物而发展起来。肖像画使已逝去的人历历在目，风景画把人们从未去过的美景呈现在眼前，小说记录了过去的历史事件，诗歌凝聚了对诗人特定时刻的情感体验等等。试想一下，如果没有这些艺术的再现，人类历史将会变得多么乏味，我们的文化记忆会多么贫乏，而我们的体验也会多么的有限。正是艺术再现弥补了这个不足，扩展了我们的眼界，让欣赏者在更加广阔的时空间里多次体验。http://..com/question/17268257.html
【行为艺术小便池杜尚小便池如何解读，小便池杜尚】如何用美学的观点理解马塞尔·杜尚的作品《泉》杜尚的《泉》意在质疑人们关于何为艺术品的观念：很少会有什么东西去让人们思考艺术实际上是什么，或它是如何被表达的问题；他们只是假定了艺术要么是绘画，要么就是雕塑。所以才会很少有人会将《泉》视为一件艺术作品。“这个小便器可能是件艺术品吗？”在小便器摇身一变成为艺术品的过程当中，名字的变化原来是如此的重要。正是这个名字的变化，变得不同寻常，使得人们审视物体的角度也发生改变。不等大雅之堂的小便器，也就随之被视为格调高雅的艺术。1达达派1916年，在诗人查腊、画家休森贝克和阿尔普的倡议下，为逃避第一次世界大战的战火而避居中立的瑞士的一批艺术家成立了一个艺术群体，并从词典中随意翻出“dada”一词用以命名，自此，达达派诞生了。他们强调反传统，反理性，反审美，反道德，甚至反对当时已经非常激进的立体主义和未来主义。他们认为，艺术与艺术品无关，任何现成物都可以是艺术品，从而将一切关于艺术的传统，统统否定。杜尚就是达达派运动的重要代表之一。2《泉》1917年，杜尚把一件现成品磁小便器，送到纽约独立艺术家协会举办的展览上，作品题为《泉》。它被展览布置委员会愤怒地拒绝了。它引起了持久的解释学喧闹。实际上，它成为了现代艺术编年史上的里程碑。《泉》表现出的是对一切传统艺术观念彻底的否定与批判。此前的任何艺术流派，哪怕再激进，起码承认艺术品必须要有艺术家的创作过程，而且一般来说，艺术起码要表现美。而《泉》的出现，则连这最“起码”的艺术观念也被否定了。3对“创作”的否定有人指责杜尚是剽窃现成的制品，他则辩解道，是否由作者创作并无关紧要，重要的是选择了它，并“使人们用新的角度去看它，原来实用的意义已经消失殆尽，它却获得了一个新的内容” 。《泉》做为西方美术史中第一件完全利用现成品的“装置”作品，开创了所谓“装置艺术”的先河。自此，现成品进入艺术的领域，改变了以往只能透过画笔和手工制造的移情投射观念，转向客观视觉背后的精神活动。整个西方艺术的思潮便迈入了另一个艺术观点的里程碑。他曾表示他评价最高的不是艺术，而是生活本身；不是杰作的创造，而是自由的智慧游戏。由此，我们可以理解他使用现成品时所持的反传统，反艺术的嘲讽态度。4对“美”的否定众所周知，安格尔的名作《泉》，几乎是唯美主义的典范。而杜尚却把同样的命名赋予了“不堪入目”的小便器，从而彻底粉碎了传统意义的“美” 。而且他还宣称，这件作品的外缘曲线和三角形构图与达·芬奇的《蒙娜丽莎》别无二致，而它那柔润、光洁的肌理效果和明暗转换与古希腊的雕刻大师普拉克西特列斯的大理石雕刻完全一样。通过这件玩世不恭的作品，杜尚向传统艺术概念发起了极为尖酸刻薄的挑战。杜尚的艺术非艺术化主张在这里遭到了误解，但误解却给艺术带来了一种新的可能。劳申伯从现成品中发现美是将杜尚的主张颠倒了过来，即非艺术的艺术化。正如杜尚本人所言：“当我发现现成品的时候，我心里想的是要否定美，对现在的新达达而言，他们拿我的现成品是要发现其中的美。我把瓶架子，小便池摔到他们脸上作为一个挑战，而现在他们为了美却赞扬起这些东西来。”以杜尚及其作品《泉》为代表的“达达派”在西方美术发展史中具有举足轻重的，承上启下的意义。他们不仅仅创造了一种流派，一种画风，重要的是他们那种近于极端的批判精神摧毁了一切传统观念，从而为纷至闼来的新观念、新流派解除了精神枷锁，开拓了无限广阔的发展空间。

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如何欣赏和理解行为艺术？行为艺术经艺术家亲身加入，精心策划而推出行为或事件，并通过与人交流，一步步发展，形成结果的过程。我们定义这个事件或过程为行为艺术。行为艺术是指在特定时间和地点，由个人或群体行为构成的一门艺术。行为艺术必须包含以下4项基本元素，除此之外不受任何其他限制：时间，地点，行为艺术者的身体，以及与观众的交流。
叶永青的《鸟》这幅画为什么值 25 万？是普通人看不懂艺术吗首先拍卖不能单纯等同于艺术品的「实际价值」或「市场价值」。艺术本身是很主观的东西。说白了这就好比情人眼里出西施，你不稀罕，但买的人认为它值那个价愿意掏这么多钱。更何况拍卖还可能涉及市场运作考量。再有就是，美术作品的价值往往不能单凭画面本身来判断。特别是观赏者并不具备一定艺术素养的情况下，觉得一幅作品不够好，更多时候是因为自身素养不够，「看不懂」好在哪里罢了。譬如有的作品可能涉及美术史意义等。再有也很重要的一点是：画作这种东西，原作和图片的差别是很大很大的，给人的感受可能天差地远。我个人在观赏到赵无极的原作之前，对其作品也是持保留态度的，但在画廊里看到原作的第一眼，就被其作品魅力彻底折服。更专业的解说见下：@苏芸：叶永青除了以整天梦游的状态上过一个貌似正统的学校之外，创作道路跟「正统」「科班」这些字没有任何联系，也没有「主攻」过西方绘画，（当时满世界都在搞「伤痕」，说他们主攻西方绘画未免也太看得起那代人了）。另外，叶永青在带本科生时候，对古典范式的写实基本功要求非常严苛几近变态，结课作业打分也严得变态（至少跟同是光头的曹敬平何多苓甚至张晓刚相比是这样），这足以说明他对艺术的态度是足够严肃不忽悠的。如果非要说他跟那些同样「荒谬」的当代艺术家有什么不同的话，叶的哲学素养要高些。关于此作品。其实不瞒你说，我看它的第一眼也觉得这货是只红薯，似乎还当着王林（叶的老师）的面就「它更像红薯还是萝卜」这一问题跟师兄争论了很久。不过，后来看了原作，我们都选择了闭嘴。首先不得不承认，把一张巴掌大的的草图誊到一面墙般大小的布上是项技术活，还是用眉笔。记得他当时是打了网格的（坐标纸这种东西出现在艺术家的工作室里一点都不意外）图案中每一个纹理笔触都被细致的描绘了出来。曾经有人劝他把这种誊抄的工作交给学生做，自己专注灵感的表达就好了，就好像国外版画家会把印画的体力活交给助手，并不影响作品的价值一样。但叶真的是一描就是一年。当然，其实这也不能证明作品本身的艺术价值。当代艺术的一大特点就是「没有意义」和「拒绝解释」。杜尚的小便池、安迪沃霍的印刷品，当初都因为难以解读而备受质疑，无论它们后面多牛逼。想起大学里最颠覆我观念的一句话是：「能用语言表达出来的东西，为什么还要画呢？」其实想想也简单，摄影出现了这么多年，绘画之所以还没有消亡，就是因为它可以创造出能感知到却看不到摸不着甚至用语言表达不出的东西，不需要解释出什么所谓的意义，就是激发人的情感，喜悦、愤怒或者恶心，出钱买画的人有可能是买家和作品产生什么了某种共鸣。关于叶永青。他经历过的那个年代，对于复杂和浮夸有自己的体会，因而有种反叛的意味在里面（因时代所限，本人对这些东西很难理解透彻，见谅）。不过比起解读这些「似是而非的作品，这个人倒是挺有意思。比如他讲述，「当年跟同寝室同为loser的张晓刚互相勉励，每天画一幅风景，最后一个日本留学僧买走了各自的一幅画，张晓刚说这样真好他终于不至于身无分文地结婚了」的时候，真想哭（当时的售价是每人200元，再想想现在两人的身价，不禁感慨基友时代的美好）。还有听他讲当年在伦敦，为了生计不得不跟有洁癖又是素食主义者的女房东同居，面临巨大的文化差异的折磨的时候，又让人觉得即使是作为荒诞的生活拷贝，这些作品也绝非偶然(「我用特别认真的方法对待那种本来不值得那么认真对待的对象的时候，就有了荒诞感」——by叶永青) 。之所以要说这些，是因为艺术家的积累某种程度上也决定了他的作品价值，毕加索如果一开始就就抽象，未必会有人愿意买账。关于价格。首先，必须说明，作品一旦离开艺术家本人，进入商业运作的流程里，所有的一切就都不是他能掌控的了，拍卖起价也不是艺术家哄抬的，而是些是画廊的事，而偏偏当代艺术本来就因「概念性」、「实验性」，或者极端依赖于个人体验（上文说了），根本无法进行价值判断，反映到市场上就是：你无法说出它值多少钱，全看买家出多少钱。因此没必要肤浅的只见那数字后面有多少个零。再者，二三十万一、点、都、不、贵、啊！！一点都没有因为买家是盖茨或者志玲姐姐就欺客啊~！！比起方力钧背后有一个文化公司支撑，动辄就几百个集装箱的阵势，叶永青连出版画册甚至办展的钱都是自己出的好么。「在80后90后的人眼里，艺术是能挣钱的东西。他们学会跟经纪人打交道，每个人心里装着个小账本，计算着发财的时间表。」这话是叶永青眼中的悲哀。

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杜桑捐给博物馆的小便池是哪里拆的？那并不是真的小便池，而是马塞尔·杜桑的一件非常有名的陶瓷艺术品，名字为《泉》。马塞尔·杜桑是现代艺术史上最迷人、最有影响力又最具争议性的传奇人物。当今艺术流派很多可追溯到他的身上，所以他被誉为当代艺术的“守护神” 。1913年，杜桑拿出了活动雕塑和现成品艺术两样新作品———名为《泉》的“小便池” ，与添加了胡子的《蒙娜丽莎》。这两者成为日后达达、活动雕塑、废品雕塑、波普艺术的最早形式。2004年，针对500件艺术品价值排名调查中，名为《泉》的“小便池”名列第一，显示了它独特的艺术价值。有趣的是， 2006年，行为艺术家皮埃尔·宾恩塞利进入法国的一个展览，拿出藏在身上的小榔头，试图把杜桑的“小便池”敲碎，然后在上面签上“Dada”字样（当作自己的“落款”）。当他开始袭击时，就被现场警卫制止并逮捕了他，但“小便池”还是新增添了一个“缺口” 。更为搞笑与夸张的是，他曾试图以《泉》为真正的便池，试图在这里小便而被警方制止。