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复调音乐基础乐理知识是什么

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【复调音乐基础乐理知识是什么】复调音乐历史悠久，因此复调音乐的乐理知识非常丰富 。下面小编为大家带来复调音乐的基本乐理知识 。欢迎阅读！
复调音乐基本乐理知识
【复调音乐】【主音音乐】对称 。一种多声部音乐，原名为对位法 。它以两个、三个或四个具有相同艺术意义的独立曲调为基础，一个在另一个后面叠放，同时和谐地进行 。在横向关系上，每个声部的节奏、力度、重音、高潮、终止、开头和结尾以及旋律线的起伏都是不同的，是独立的 。在纵向关系上，各声部相互之间形成良好的和声关系 。指最初由几个声部组成的多声部音乐，与单声部音乐相对；之后是指多个旋律声部按照对位法组合而成的音乐，与旋律音乐相对 。复调音乐讲究各个声部的旋律，声部之间形成对比或互补，没有主次之分 。
复调音乐起源于9世纪的西欧，奥尔加农是其最早的形式，15世纪下半叶至16世纪达到顶峰，可谓其黄金时代，帕莱斯特里纳的无伴奏合唱是其杰出代表 。到18世纪，随着复调音乐的结构和技法日趋完善，J.S .巴赫将器乐赋格的形式发展到极致，树立了器乐复调音乐技术的典范；18世纪下半叶，复调音乐的主导地位开始逐渐被旋律音乐所取代 。重要的复调音乐体裁有圣典歌、颂歌、复调弥撒曲、雪之少女、复调上松、坎佐纳、赋格等 。
复调音乐乐理知识
(1)用对比法创作的复调音乐称为“对位音乐”，或简称“对位法”，即对位复调音乐 。如钢琴独奏《牧童短笛》；
??Polyphonic音乐在模仿的基础上写成，俗称[卡农]，是二部、三部和四部的旋转 。比如黄河大合唱的四首轮唱歌曲《保卫黄河》；德国作曲家、管风琴大师约翰·帕切尔贝尔(1653-1706)，以《D大调大炮》闻名于世 。
(3)用箔法写的复调音乐，称为[撑复调]或[衬腔复调] 。在民族民间音乐中，经常运用衬托、填充、呼应、添花等手法，使音乐更加丰富多彩 。最著名的收藏是巴赫的《赋格的艺术》，堪称赋格的圣经 。我们的作品有侗族大歌《艳阳花开》和女声二重唱《遵义会议的荣耀》 。
复调音乐的历史
从18世纪下半叶开始，旋律音乐占主导地位，对位受到和声的制约 。写作风格从自由节奏的线条肌理转变为旋律短句与动机和声的结合 。复调技法与旋律音乐的形式是紧密结合的，尤其是在奏鸣曲式音乐中 。在古典主义和浪漫主义作曲家的创作中，赋格曲和赋格曲段已经成为发展主题和拓展音乐思想的有效手段 。尤其是在f·门德尔松复兴巴赫的《马太受难曲》之后，许多杰出的浪漫主义作曲家都试图模仿巴赫的复调创作技法 。j·勃拉姆斯在创作中有意识地采用巴赫式的对位法写作，他希望回到16、17世纪的音乐，这在他后期的作品中表现出来，他对卡农的热爱甚至超过了赋格曲 。到了浪漫主义后期，由于断弦的大量使用，旋律线条变得和谐，导致对位的和声越来越多，甚至作为一种装饰来分解和声 。在对位法的应用上，r·瓦格纳一方面更强调不协和和弦的各种方法和半音的变化，另一方面也像w·a·莫扎特一样使用几个主题的同时组合，如《纽伦堡的歌唱大师》前奏曲的再现 。总之，在浪漫主义后期，复调音乐虽然处于次要地位，但仍然是创作中不可或缺的表现手段 。
20世纪作曲家的作品风格与上个世纪相比有了很大的变化 。调性、调式、和弦结构的复杂，取代了以前基本自然音系的技法 。自1910年以来，许多作曲家热衷于完全自由地使用半音音阶的所有12个音调，有些还有音调中心，如P. hindemith一些负调性中心，比如勋伯格；有些采取双调性和多调性的结合，如米月 。调性或多调性，由于几个曲调的调性不同，具有相当程度的独立性，从而加强了对位的效果 。无调性音乐的效果主要靠动机的组织，把旋律线放在突出的位置，让和声退居二线 。现代的线对位法这个词，最初是用来形容早期的复调音乐形式，现在常用来形容一种与和声无关，而是由旋律线交织而成的结构 。与19世纪相比，20世纪的复调音乐是有优势的，但不是帕莱斯特里纳或巴赫那个时代的意义 。至于写作手法，旋律倾向于自由灵活发展 。主题经常体现或逆行；在对位的形成上，采用了更为复杂的节奏组合，这是现代复调音乐的主要特点 。
复调音乐作为一门课程，包括对位、佳能、赋格等 。其写法可分为对比复调(见对位法)和模仿复调(见模仿法) 。复调音乐创作的音乐包括创作音乐、旋转音乐、雪之少女音乐和赋格音乐 。
复调音乐发展简史
9 ~ 13世纪
这一时期的复调音乐经历了三个阶段:①欧加农在9世纪产生 。它以格里高利圣咏为固定曲调，在其下方增加了新的声部，形成了平行的四五度；也可以从同一度开始，逐渐分离到四度，最后回到同一度 。这是复调音乐最古老的形式 。② Dis Cantus产生于12世纪，仍以格里高利圣咏为固定曲调，在其之上增加一个新的声部，两者之间的距离为八度或五度，声部对调 。③ Fobl East产生于13世纪，意为假低音，因为低声唱的时候其实要高一个八度 。它仍然以格里高利圣咏为固定曲调，新加入的部分通常是两个 。五度和八度用在开头和结尾，三度和六度用在中间 。声音效果比前两者更丰富，这是复调写作的可贵进步 。以上三种形式中，没有特别的乐谱 。歌手只需要背下格里高利圣歌，根据需要加入新的声音 。
14 ~ 15世纪
14世纪，人们不满足于早期的复调音乐形式，新的发展是在格里高利圣咏中加入曲调时采取自由处理，或自由创作固定曲调和新曲调，从而打破了过去的刻板印象 。为了使歌手准确地唱出新的曲调，需要特殊的乐谱 。在这个时期，对位一词出现，指的是复调音乐的写作技巧 。对位的本义是音对音，即几个曲调的组合 。在这些组合中，以辅音为主，不协和一开始就被否定了 。直到15世纪才逐渐认识到不协和的价值，认为复调是一种艺术化的音乐组合，文笔要充满变化 。如节奏的变化、切分音的处理、模仿的运用等 。从而将复调艺术发展到一个新的阶段 。
15 ~ 16世纪
15世纪下半叶至16世纪是复调音乐的黄金时代，尤其是以帕莱斯特里纳为代表的无伴奏合唱在这一时期达到了复调音乐的顶峰 。这一时期，人们对歌词的重视在很大程度上奠定了音乐的节奏基础；同时采用了许多丰富多变的音色组合，避免了声部处理过程中5度和8度的空孔效应 。确定了使用不协和音的原则 。从整体上看，声部的平衡和声部关系的和谐是当时复调音乐风格的特点 。
17-18世纪上半叶
16世纪以后，复调音乐在结构和技术技法上日益完善，为器乐复调的兴起和发展创造了条件 。到了18世纪，在J.S .巴赫的作品中，采用了以和声为主的创作方法，即不仅要求横线独立，还要注意竖线的和声关系 。巴赫非常重视和弦外音的处理，造成旋律节奏与和声节奏的不一致，增强了对位效果 。巴赫对赋格发展的贡献更为突出，后来的作曲家都把他的作品视为复调音乐技术的典范 。
从18世纪下半叶到19世纪
从18世纪下半叶开始，旋律音乐占主导地位，对位受到和声的制约 。写作风格从自由节奏的线条肌理转变为旋律短句与动机和声的结合 。复调技法与旋律音乐的形式是紧密结合的，尤其是在奏鸣曲式音乐中 。在古典主义和浪漫主义作曲家的创作中，赋格曲和赋格曲段已经成为发展主题和拓展音乐思想的有效手段 。尤其是在f·门德尔松复兴巴赫的《马太受难曲》之后，许多杰出的浪漫主义作曲家都试图模仿巴赫的复调创作技法 。j·勃拉姆斯在创作中有意识地采用巴赫式的对位法写作，他希望回到16、17世纪的音乐，这在他后期的作品中表现出来，他对卡农的热爱甚至超过了赋格曲 。
到了浪漫主义后期，由于断弦的大量使用，旋律线条变得和谐，导致对位的和声越来越多，甚至作为一种装饰来分解和声 。在对位法的应用上，r·瓦格纳一方面更强调不协和和弦的各种方法和半音的变化，另一方面也像w·a·莫扎特一样使用几个主题的同时组合，如《纽伦堡的歌唱大师》前奏曲的再现 。总之，在浪漫主义后期，复调音乐虽然处于次要地位，但仍然是创作中不可或缺的表现手段 。
20世纪
20世纪作曲家的作品风格与上个世纪相比有了很大的变化 。调性、调式、和弦结构的复杂，取代了以前基本自然音系的技法 。自1910年以来，许多作曲家热衷于完全自由地使用半音音阶的所有12个音调，有些还有音调中心，如P. hindemith一些负调性中心，比如勋伯格；有些采取双调性和多调性的结合，如米月 。调性或多调性，由于几个曲调的调性不同，具有相当程度的独立性，从而加强了对位的效果 。
无调性音乐的效果主要靠动机的组织，把旋律线放在突出的位置，让和声退居二线 。现代的线对位法这个词，最初是用来形容早期的复调音乐形式，现在常用来形容一种与和声无关，而是由旋律线交织而成的结构 。与19世纪相比，20世纪的复调音乐是有优势的，但不是帕莱斯特里纳或巴赫那个时代的意义 。至于写作手法，旋律倾向于自由灵活发展 。主题经常体现或逆行；在对位的形成上，采用了更为复杂的节奏组合，这是现代复调音乐的主要特点 。

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